Biblioteca Improvisada.
A slow reading of design’s afterlives. Come by, sit down, and reconnect with ideas.
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A nossa Biblioteca é um espaço aberto para mentes curiosas — um lugar para explorar, fazer uma pausa e redescobrir o prazer tátil das ideias. Acreditamos que partilhar é cuidar, por isso convidamos todos a folhear, inspirar-se e deixar-se levar pelas páginas. Cada livro tem o seu próprio ritmo: teoria e tipografia, rebelião e ornamento, nostalgia e utopia.
Isto não são críticas, nem um inventário completo — apenas alguns livros com os quais achamos que vale a pena passar tempo.
Our library is an open space for curious minds — a place to explore, pause, and rediscover the tactile pleasure of ideas.
We believe that sharing is caring, so everyone is welcome to browse, get inspired, and lose themselves in the pages.
Each book carries its own rhythm: theory and typography, rebellion and ornament, nostalgia and utopia.
These aren’t reviews, nor a full inventory — just some books we think you should spend time with.
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¡Revolución! Cuban Poster Art — Lincoln Cushing
Propaganda ou poesia?
Este livro faz-nos questionar se há diferença.
Cartazes cubanos da revolução —
feitos à mão, serigrafados, imperfeitamente perfeitos.
Sentimos o calor da ideologia,
mas também a alegria de criar imagens como libertação.
Cada cartaz é um grito,
um manifesto em cor.
Para designers que sabem
que o ativismo ainda pode ser belo.
All-American Ads (60s) — Jim Heimann / Taschen
Bem-vindos ao otimismo em Technicolor.
Um mundo que prometia tudo —
carros, cozinhas, futuros.
Cada página é o espelho de um império
que acreditava demais em si próprio.
Folheamos o brilho e sentimos ao mesmo tempo inveja e exaustão.
A tipografia é alegre,
o subtexto devastador.
Para criadores de imagens que entendem
que a sedução também é ideologia.
American Automobile Trademarks — Wendel
Logótipos de empresas que já não existem —
um museu de sonhos desaparecidos.
O otimismo do cromo,
a tipografia do movimento,
a linguagem da velocidade e do desejo.
Vemos a ascensão e a queda de um século apenas através dos emblemas.
É nostalgia com cheiro a gasolina.
História moldada em aço e sans serif.
Para quem projeta pensando no legado,
não apenas no lançamento.
American Indian Design & Decoration — Le Roy Appleton
Muito antes de existir a palavra “design”,
estes padrões contavam histórias de sobrevivência.
Appleton catalogou-os através de uma lente colonial —
mas hoje lemo-los de outra forma.
Como testemunhos de resiliência,
de linguagens visuais que recusaram o apagamento.
Cada página pede humildade:
aprender, não apropriar-se.
Para quem tenta desaprender a história do design,
um motivo de cada vez.
Das wohltemperierte Alphabet — Axel Bertram
Letras como arquitetura.
Ritmo como moral.
Bertram desenha alfabetos como Bach escrevia fugas —
com cuidado, ternura e convicção.
Sentimos Berlim Oriental nas margens:
disciplina, idealismo, precisão.
Cada serifa é um gesto de esperança.
Cada curva, uma defesa da razão.
Para tipógrafos que ainda sonham
que forma e ética pertencem juntas.
Design Motifs of Ancient Mexico — Dover
Quando estamos cansados das grelhas modernas,
abrimos Design Motifs of Ancient Mexico.
Estas formas carregam algo que as escolas de design esquecem —
que a geometria pode conter memória,
e o padrão pode falar história.
Foram esculpidas para deuses, não para clientes.
Desenhadas para durar, não para estar na moda.
Percebemos a linhagem —
quanto do que chamamos “moderno”
é apenas amnésia com boa iluminação.
Por isso este livro está aqui:
como um ato silencioso de lembrança.
Designs from Pre-Columbian Mexico — Enciso
Quase conseguimos ouvir as pedras vibrar.
Cada linha, cada espiral, carrega memória —
geometria nascida do ritual, não da teoria.
Designs from Pre-Columbian Mexico não é sobre nostalgia.
É sobre continuidade —
como a forma pode atravessar séculos e ainda parecer nova.
Estes motivos não imitam a natureza;
tornam-se natureza.
Para quem sente que a abstração começou
muito antes de o modernismo lhe dar nome.
Graphic Design into the Digital Realm — Van Nostrand Reinhold
Um instantâneo do início dos anos 90 —
quando os designers ainda aprendiam a clicar.
Cheio de esperança, confusão e fundos com gradiente
que pareciam futuristas na altura.
Cada ensaio é um artefato de crença —
que os computadores poderiam libertar, e não achatar, a criatividade.
Agora é nostalgia com código.
Um lembrete de que “digital” já significou erro humano.
Para quem ainda se lembra
do som da ligação dial-up como inspiração.
Grosses Duden-Lexikon der Vornamen
Um dicionário de nomes —
mas, na verdade, um livro sobre pertença.
Cada entrada é uma história comprimida em sílabas,
um ato silencioso de herança.
Folheá-lo é viajar no tempo e pelas fronteiras,
onde língua e identidade trocam segredos.
Não é teoria do design,
mas explica porque o design importa:
porque as palavras constroem mundos.
Para quem nomeia projetos
e, ao fazê-lo, cria pessoas.
Japanese Design: Modern Approaches to Traditional Elements
Equilíbrio.
A espinha invisível de todo bom design.
Este livro estuda esse ponto frágil —
onde o artesanato encontra o modernismo,
onde a tradição aprende a respirar através do aço e do papel.
Viramos uma página e sentimos precisão calma,
a geometria da humildade.
Para quem trabalha devagar
e acredita que a contenção é radical.
Japanese Graphics — The Pepin Press
Voltamos sempre a este — Japanese Graphics.
Um livro que cheira a disciplina de tinta e desalinhamento perfeito.
Cada página é uma pequena rebelião contra o ruído.
Um lembrete de que clareza não é tédio — é revolução.
Sentimos isso nas grelhas, no espaço vazio,
na precisão que ainda respira emoção.
Para designers cansados do maximalismo,
para quem acredita que o silêncio ainda fala.
Não é um livro de referência — é um botão de pausa.
E precisamos de mais desses.
Louise Bourgeois: The Return of the Repressed
Mantemos este por perto.
Louise Bourgeois nunca separou o fazer do lembrar.
A sua obra — costurar, ligar, tecer —
sempre foi sobre remendar o que não se pode consertar.
Ler os seus cadernos é como entrar num ateliê
onde o trauma vira linha
e a linha vira escultura.
Um lembrete de que criatividade não é controlo,
é reconciliação.
Para todos os que trabalham com as mãos
como forma de processar o que a mente não consegue.
The Principles of Art — R.G. Collingwood
Às vezes, quando o ruído da cultura do design é demais,
abrimos Collingwood.
Ele escreveu The Principles of Art antes de existir “conteúdo”,
antes de a criatividade se tornar mercadoria.
Para ele, arte não era decoração nem ego —
era uma forma de compreender o mundo.
Um pensamento sem tirania das palavras.
Gostamos dessa ideia — que beleza é apenas honestidade,
e criar arte é outra forma de dizer a verdade.
Este está na estante da 1A+
para os momentos em que precisamos lembrar
porque começámos a criar.
Penguin by Design — Phil Baines
Antes das marcas, antes dos “sistemas de design”,
havia apenas a vontade de fazer livros parecerem honestos.
Penguin by Design conta essa história —
como uma editora construiu uma linguagem visual que dizia:
todos merecem bom design, mesmo num comboio, mesmo na pausa do almoço.
Estas capas nunca foram sobre luxo.
Foram sobre dignidade.
Sobre a autoridade silenciosa do alinhamento e da tipografia.
É curioso como o design moderno ainda persegue
o que a Penguin descobriu por acaso:
confiar no leitor.
Por isso este está na nossa estante —
porque às vezes o gesto mais radical
é tornar algo claro.
Platform Urbanism and Its Discontents — Peter Mörtenböck & Helge Mooshammer
Às vezes pensamos que as cidades já não se constroem — apenas se atualizam, como apps.
Fazemos scroll nelas, passamos por cima da sua história.
Este livro tenta capturar essa sensação —
o que acontece quando a rua vira plataforma,
quando a habitação vira dado,
quando “ligação” significa deslocamento.
Escrito como um relatório de arquitetura,
lê-se como um aviso silencioso.
Para quem já abriu o Google Maps e pensou:
“Este ainda é o nosso bairro — ou apenas uma interface?”
Por isso está na estante da 1A+ —
para nos lembrar que as cidades também são histórias.
Print Is Dead: Books in Our Digital Age — Jeff Gomez
Encontrámos este há anos,
quando ainda se pensava que os e-books iam substituir tudo.
Print Is Dead hoje soa como uma cápsula do tempo —
um misto de medo e fascínio pelo que viria depois do papel.
Mas o curioso é: o livro não morreu.
Apenas abrandou,
tornou-se mais raro, mais intencional — como a caligrafia.
Os livros voltaram a parecer vivos,
precisamente porque o ecrã não consegue conter o silêncio.
Por isso está aqui —
para lembrar que o toque também é tecnologia.
X-Rated Adult Movie Posters Vol. 1 — Tony Nourmand & Graham Marsh
Antes de a censura ser algorítmica,
os designers gráficos eram os verdadeiros anarquistas.
Estes cartazes eram baratos, rápidos, descarados —
mas visualmente destemidos.
Cada composição grita por atenção,
e ao mesmo tempo é uma aula de comunicação crua.
Tipografia no máximo volume.
Cor a portar-se mal, lindamente.
Para quem sabe
que o bom gosto mata a criatividade.
Biannual Journal of Curiosities
Há livros que não ensinam — vagueiam.
Biannual Journal of Curiosities é um deles.
Um catálogo de tudo o que não cabe noutro lugar —
ideias falhadas, sobras, coincidências que viraram padrão.
Folheamo-lo e percebemos
que curiosidade é uma disciplina.
Interessarmo-nos é estarmos vivos.
Um livro que lembra
que nem tudo precisa levar a algum lugar.
Por isso está aqui, na estante da 1A+ —
para quem constrói coisas que ainda não se explicam.
Bootleg Grocery — Edited by Counter-Print
Todo designer que conhecemos tem um carinho pelos falsos.
Não pelo roubo — mas pela liberdade.
Bootleg Grocery é uma carta de amor visual à economia subterrânea das ideias:
os remixadores, os falsificadores,
os miúdos que rebrandam o capitalismo com ironia e tinta.
Percebemos que o bootleg é apenas design popular —
uma linguagem de sobrevivência nascida da exclusão.
Logótipos viram piadas.
Marcas viram memes.
E no meio do caos, há verdade.
Este é para todos os que já serigrafaram um falso só para dizer algo real.
Cruise-O-Matic — Chronicle Books
Entre o fetiche e o folclore.
Cruise-O-Matic é Americana pop congelada em movimento.
Aletas, néons, tipografia de jukebox —
design gráfico como viagem de carro.
Cada imagem vibra com a antiga promessa americana:
continuar em frente,
nunca olhar para trás.
Mas agora, só nos resta olhar para trás.
Para colecionadores do mito chamado progresso.
Content — Rem Koolhaas / AMO
Às vezes abrimos Content só para lembrar
como o design era antes do feed.
Barulhento, caótico, hiperligado —
páginas a disputar a tua atenção como janelas num ecrã.
Koolhaas fez uma revista que previu o mundo de hoje:
arquitetura como scroll, imagem como argumento.
Cada dupla página parece um despejo de dados,
mas ainda pulsa —
otimismo impresso em Helvetica.
Está na estante da 1A+
porque o caos também pode ser belo —
se soubermos lê-lo.
Trademarks & Logotypes in Full Color, Part 8 — Graphic-Sha
Antes do Behance, antes dos brand decks,
existiam catálogos como este —
silenciosos, metódicos, perfeitos.
Centenas de marcas, sem contexto,
mas cheias de personalidade.
Sentimos o trabalho,
a confiança na geometria.
Este livro lembra-nos
que o design já buscou a intemporalidade,
não o engajamento.
Para quem ainda acredita no logótipo como poema.
T-Shirt: A Collection of the Most Iconic Designs — Amber Butchart
A T-shirt é o formato mais portátil da cultura impressa.
Tinta, algodão e identidade — dobrados juntos.
Este livro lê-se como uma coleção de discos —
cada camisa um protesto, uma piada, uma lembrança de juventude.
Lembra-nos que toda superfície pode contar uma história
se a tratarmos como uma página.
Não precisamos de uma gráfica —
basta um ecrã, tinta e convicção.
Este é para os sonhadores que vestem os próprios arquivos.
The Studio Year-Book of Decorative Art (1916–1917)
A capa está gasta, o papel frágil.
Mas por dentro — um universo de otimismo desenhado à mão.
Foi publicado enquanto o mundo desmoronava.
E, mesmo assim, cada página insiste na beleza,
no design como ato moral.
A tinta sangra ligeiramente,
como se tremesse sob o peso da história.
Para designers que ainda acreditam
que o ornamento pode ser resistência.
Tattoo Flash: Traditional & Beyond — Compilation
Cada página deste livro cheira a pele e fumo.
Um catálogo de histórias que nunca precisaram de galerias.
Tattoo Flash não é sobre estilo — é sobre linhagem.
Marinheiros, punks, prisioneiros, sonhadores.
Todos a falar através de pigmento e dor.
Há uma espécie de democracia nisso.
Não precisamos de museu para contar a nossa história —
apenas coragem e uma agulha.
Lembra-nos que o design já teve sangue debaixo das unhas.
E talvez ainda devesse ter.
Por isso está na nossa estante —
para os que ainda desenham para sobreviver.
Visual Grammar — Christian Leborg
Todo criativo chega a um ponto
em que as palavras deixam de funcionar.
Visual Grammar é o livro que nos faz voltar a ver —
linhas, equilíbrio, contraste, ritmo —
a estrutura por trás da intuição.
Lê-se como um dicionário escrito por um designer
que secretamente acredita na música.
Sem ego, sem ruído. Apenas o essencial, belamente explicado.
Como meditação para o nosso córtex visual.
Para quando esquecemos porque o layout soa errado,
ou porque a simetria parece segura.
Abrimos isto. Respiramos. Recomeçamos.
Wavey Garms — Edited by Rollo Jackson
Este cheira a nylon, fumo e nostalgia.
O arquivo digital de uma geração criada entre bootlegs e baixos graves.
Wavey Garms transformou o revenda em cultura,
o streetwear em antropologia.
Cada página parece um scroll por uma memória que nunca vivemos —
Burberry, Moschino, flyers de jungle, ecos de rádio pirata.
É sobre comunidade disfarçada de moda.
E humor como sobrevivência.
Para quem sabe que autenticidade
não se fabrica.
¡Revolución! Cuban Poster Art — Lincoln Cushing
Propaganda or poetry?
This book makes us wonder if there’s a difference.
Cuban posters from the revolution —
handmade, silkscreened, imperfectly perfect.
We feel the heat of ideology,
but also the joy of image-making as liberation.
Every poster is a shout,
a manifesto in color.
For designers who know that activism
can still be beautiful.
All-American Ads (60s) — Jim Heimann / Taschen
Welcome to optimism in Technicolor.
A world that promised everything —
cars, kitchens, futures.
Every page is a mirror of an empire
that believed in itself too much.
We flip through the gloss and feel both envy and exhaustion.
The typography is joyful,
the subtext devastating.
For image-makers who understand
that seduction is also ideology.
American Automobile Trademarks — Wendel
Logos for companies that no longer exist —
a museum of vanished dreams.
The optimism of chrome,
the typography of motion,
the language of speed and desire.
We see the rise and fall of a century in emblems alone.
It’s nostalgia with exhaust fumes.
History shaped in steel and sans serif.
For those who design for legacy,
not just for launch.
American Indian Design & Decoration — Le Roy Appleton
Long before the word “design” existed,
these patterns told stories of survival.
Appleton catalogued them through a colonial lens —
but today we read them differently.
As testaments of resilience,
of visual languages that refused erasure.
Every page asks for humility:
to learn, not to borrow.
For anyone trying to unlearn design history
one motif at a time.
Das wohltemperierte Alphabet — Axel Bertram
Letters as architecture.
Rhythm as morality.
Bertram designs alphabets like Bach wrote fugues —
carefully, tenderly, with conviction.
We feel East Berlin in the margins:
discipline, idealism, precision.
Each serif a gesture of hope.
Each curve a defense of reason.
For typographers who still dream
that form and ethics belong together.
Design Motifs of Ancient Mexico — Dover
When we’re tired of modern grids,
we open Design Motifs of Ancient Mexico.
These forms carry something that design schools forget —
that geometry can hold memory,
and pattern can speak history.
They were carved for gods, not clients.
Drawn to last, not to trend.
We realise the lineage —
how much of what we call “modern”
is just amnesia in good lighting.
That’s why this book belongs here:
as a quiet act of remembrance.
Designs from Pre-Columbian Mexico — Enciso
We can almost hear the stones hum.
Every line, every spiral, carries memory —
geometry born from ritual, not theory.
Designs from Pre-Columbian Mexico isn’t about nostalgia.
It’s about continuity —
how form can travel through centuries and still feel new.
These motifs don’t imitate nature;
they become it.
For anyone who senses that abstraction began
long before modernism named it.
Graphic Design into the Digital Realm — Van Nostrand Reinhold
A snapshot of the early ’90s —
when designers were still learning how to click.
It’s filled with hope, confusion, and gradient backgrounds
that felt futuristic back then.
Every essay reads like an artifact of belief —
that computers might free, not flatten, creativity.
Now it’s nostalgia with code.
A reminder that “digital” once meant human error.
For those who still remember
the sound of dial-up as inspiration.
Grosses Duden-Lexikon der Vornamen
A dictionary of names —
but really, it’s a book about belonging.
Each entry is a story compressed into syllables,
a quiet act of inheritance.
Flipping through it feels like traveling across time and borders,
where language and identity trade secrets.
It’s not design theory,
but it explains why design matters:
because words build worlds.
For those who name projects,
and in doing so, create people.
Japanese Design: Modern Approaches to Traditional Elements
Balance.
The invisible spine of all good design.
This book studies that fragile meeting point —
where craft meets modernism,
where tradition learns to breathe through steel and paper.
We turn a page and feel calm precision,
the geometry of humility.
For anyone who works slowly,
and believes restraint is radical.
Japanese Graphics — The Pepin Press
We keep coming back to this one — Japanese Graphics.
A book that smells like ink discipline and perfect misalignment.
Every page is a small rebellion against noise.
A reminder that clarity isn’t boring — it’s radical.
We feel it in the grids, in the empty space,
in the precision that still breathes emotion.
For designers tired of maximalism,
for those who believe silence can still speak.
It’s not a reference book — it’s a pause button.
And we need more of those.
Louise Bourgeois: The Return of the Repressed
We keep this one close.
Louise Bourgeois never separated making from remembering.
Her work — sewing, binding, weaving —
was always about mending the things we can’t fully fix.
Reading her notebooks feels like being inside a workshop
where trauma becomes thread,
and thread becomes sculpture.
It’s a reminder that creativity isn’t about control.
It’s about reconciliation.
For everyone who works with their hands
as a way to process what the mind can’t.
The Principles of Art — R.G. Collingwood
Sometimes, when the noise of design culture gets too loud,
we open Collingwood.
He wrote The Principles of Art before “content” existed,
before creativity was something you could monetize.
For him, art wasn’t decoration or ego —
it was a way of understanding the world.
A form of thinking without the tyranny of words.
We like that idea — that beauty is just honesty,
and making art is another way of telling the truth.
This one’s on the 1A+ shelf
for those moments when we need to remember
why we started creating in the first place.
Penguin by Design — Phil Baines
Before branding, before “design systems,”
there was just the need to make books look honest.
Penguin by Design is the story of that —
how one publisher built a visual language that said:
everyone deserves good design, even on a train, even on lunch break.
These covers were never about luxury.
They were about dignity.
About the quiet authority of alignment and type.
It’s funny how much of modern design still chases
what Penguin figured out by accident:
trust the reader.
That’s why this one’s on our shelf —
because sometimes the most radical thing you can do
is make something clear.
Platform Urbanism and Its Discontents — Peter Mörtenböck & Helge Mooshammer
Sometimes we think cities are no longer built — they’re just patched, like apps.
We update them, scroll through them, swipe past their histories.
This book tries to catch that feeling —
what happens when your street becomes a platform,
when housing becomes data,
when connection means displacement.
It’s written like an architectural report,
but it reads like a quiet warning.
For anyone who’s ever opened Google Maps and thought:
“Is this still our neighborhood, or just an interface?”
That’s why it’s on the 1A+ shelf —
to remind us that cities are also stories.
Print Is Dead: Books in Our Digital Age — Jeff Gomez
We found this one years ago,
when people still thought e-books would replace everything.
Print Is Dead reads now like a time capsule —
a mix of fear and fascination with what comes after paper.
But the funny thing is: it didn’t die.
It just slowed down,
became rarer, more intentional — like handwriting.
Books started to feel alive again,
precisely because the screen can’t hold silence.
That’s why this one’s on the shelf —
a reminder that touch still counts as technology.
X-Rated Adult Movie Posters Vol. 1 — Tony Nourmand & Graham Marsh
Before censorship became algorithmic,
graphic designers were the true anarchists.
These posters were cheap, fast, shameless —
but visually fearless.
Every composition screams for attention,
yet each one is a masterclass in raw communication.
Typography at full volume.
Color misbehaving beautifully.
For anyone who knows
that good taste kills creativity.
Biannual Journal of Curiosities
Some books don’t teach — they wander.
Biannual Journal of Curiosities is one of them.
It’s a catalogue of everything that doesn’t fit elsewhere —
failed ideas, offcuts, coincidences that turned into patterns.
We flip through it and realise
that curiosity is a discipline.
To be interested is to be alive.
It’s the kind of book that reminds us
not everything has to lead somewhere.
That’s why it’s here, on our 1A+ shelf —
for anyone building things that can’t be explained yet.
Bootleg Grocery — Edited by Counter-Print
Every designer we know has a soft spot for fakes.
Not because of the theft — but because of the freedom.
Bootleg Grocery is a visual love letter to that underground economy of ideas:
the remixers, the counterfeiters,
the kids rebranding capitalism with irony and ink.
It makes us realise that bootlegging is just folk design —
a survival language born from exclusion.
Logos become jokes.
Trademarks become memes.
And somehow, in that chaos, there’s truth.
This one’s for everyone who ever screen-printed a fake just to say something real.
Cruise-O-Matic — Chronicle Books
Somewhere between fetish and folklore.
Cruise-O-Matic is pop Americana frozen mid-motion.
Tailfins, neon signs, jukebox typography —
graphic design as road trip.
Every image hums with that old American promise:
to keep moving,
to never look back.
But now, looking back is all we can do.
For collectors of the myth called progress.
Content — Rem Koolhaas / AMO
Sometimes we open Content just to remember
what design felt like before the feed.
It’s loud, messy, hyperlinked —
pages fighting for attention like windows on a screen.
Koolhaas built a magazine that predicted the world we live in now:
architecture as scroll, image as argument.
Every spread looks like a data dump,
but somehow it still feels alive —
like optimism printed in Helvetica.
This one sits on the 1A+ shelf
because chaos can be beautiful —
if we know how to read it.
Trademarks & Logotypes in Full Color, Part 8 — Graphic-Sha
Before Behance, before brand decks,
there were catalogs like this —
quiet, methodical, perfect.
Hundreds of marks, stripped of context,
yet glowing with personality.
We can feel the labor,
the trust in geometry.
This book reminds us
that design once aimed for timelessness,
not engagement.
For those who still believe in the logo as a poem.
T-Shirt: A Collection of the Most Iconic Designs — Amber Butchart
The T-shirt is print culture’s most portable format.
Ink, cotton, and identity — folded together.
This book reads like a record collection —
each shirt a protest, a joke, a souvenir of someone’s youth.
It reminds us how every surface can tell a story
if we treat it like a page.
We don’t need a press —
just a screen, some ink, and conviction.
This one’s for the dreamers who wear their archives.
The Studio Year-Book of Decorative Art (1916–1917)
The cover is faded, the paper brittle.
But inside — a universe of optimism drawn by hand.
This was published while the world was falling apart.
Yet every page insists on beauty,
on design as a moral act.
The ink bleeds slightly,
as if trembling under the weight of history.
For designers who still believe
that ornament can be resistance.
Tattoo Flash: Traditional & Beyond — Compilation
Every page in this book smells of skin and smoke.
It’s a catalogue of stories that never needed galleries.
Tattoo Flash isn’t about style — it’s about lineage.
Sailors, punks, prisoners, dreamers.
All speaking through pigment and pain.
There’s a kind of democracy in it.
We don’t need a museum to tell our story —
just courage and a needle.
It’s a reminder that design once had blood under its fingernails.
And maybe it still should.
That’s why it’s on our shelf —
for the ones who still draw to survive.
Visual Grammar — Christian Leborg
Every creative hits a point
where words stop working.
Visual Grammar is the book that helps us see again —
lines, balance, contrast, rhythm —
the structure behind intuition.
It reads like a dictionary written by a designer
who secretly believes in music.
No ego, no noise. Just the basics, beautifully explained.
Like meditation for our visual cortex.
For when we forget why our layout feels wrong,
or why symmetry feels safe.
Open this. Breathe. Begin again.
Wavey Garms — Edited by Rollo Jackson
This one smells like nylon, smoke, and nostalgia.
The digital archive of a generation raised on bootlegs and basslines.
Wavey Garms turned resale into culture,
streetwear into anthropology.
Every page feels like scrolling through a memory we never lived —
Burberry, Moschino, jungle flyers, pirate radio echoes.
It’s about community disguised as fashion.
And humor as survival.
For anyone who knows authenticity
can’t be manufactured.